quieres que te cuente un secreto?...sadie benning

Comenzó su obra desde los dieciséis años, su profunda carga autoreferencial la convierte en una artista intimista. Nos enseña sus sueños, deseos, miedos y fantasías de una adolescente lesbiana en proceso de construir su ser, su identidad y su sexualidad.
Con respecto a significarse, está en la transgresión y la rebelión contra los límites del género.
Su obra se nos muestra con la vulnerabilidad infantil, la inocencia, que se refugia en su intimidad como un autoexilio del exterior, pero más allá de retraerse contra el exterior, se nos muestra la vulnerabilidad de ella hacia ella.
Se nos va representando poco a poco, construyendo su imagen andrógina, mientras nos cuenta algo al oído, como una confesión, a partir de este mecanismo es que nos conectamos inmediatamente con lo que nos tiene que contar, nos sentimos a su lado, bajo sus circunstancias. Somos sus confesores, su diario.

Estamos en un juego constante con ella, pareciera que es azarosamente pero nos dice algo, escribe alguna otra cosa, vemos alguna figura, abstracto, entendemos a partir de varios ángulos, nos muestra que la realidad: es multiple y que hay varias maneras de retratarla, ya sea con una camara diferente, un foco distinto, o el mecanismo dentro de la escena que se nos muestra, nos dice las palabras, las vemos, vamos mas allá.
Con respecto al montaje, tiene una narrativa poética, nosotros en somos los constructores, en realidad ella nos va dejando las pistas que se tienen que seguir, esta ahí la vulnerabilidad, estamos a la dervia y nosotros vamos siguiendo el camino, explorando nuestro ser.
La imaginación es la fuga de nuestro entorno, de las castración homofóbica y los limites convencionales. Ella ES a traves de su re-presentación.

memoria

Teatros de sombras, bombillas desnudas iluminando fotos borrosas de gente desaparecida o muerta, viejas cajas de hojalata, ropa usada. Aquí todo parece ser el de un largo duelo que se siente infinito. O el de un ritual para curar la ausencia, para castigar la vida, sobre todo, una especie de escenógrafo de ultratumba, pese a la constante presencia de la muerte en su trabajo, Boltanski es un hombre más atado a lo terrenal que a lo de ultratumba. La memoria es construida a traves de huellas no hay nada presente solo lo que nos queda es la ausencia…Christian Boltanski, su productor paradigmático. Desde sus vitrinas llenas de documentos de la infancia, marionetas iluminadas, proyecciones y sombras finas de marionetas, que realizan movimientos fugaces…Después archivos, dibujos, cajas apiladas a las que se accedía a través de pasillos tenuemente iluminados.
Las huellas de la memoria constituyen una exploración deliberada del pensamiento mítico desde el punto de vista de la conciencia occidental, los objetos son el vehículo de establecer una empatía con el espectador…Entre los temas tratados por Christian Boltanski se encuentran la ausencia, la guerra, la infancia, la cotidianidad o la pérdida de identidad. La obra de Boltanski es por medio de la identificación del espectador con la obra es el reconocimiento, y no el descubrimiento. Es por eso que utiliza elementos reconocibles y con los que el espectador puede establecer una relación de empatía: desde ropa usada, pasando por muebles antiguos o viejas cajas de galletas. Boltanski compara su trabajo con un espejo, pretende que la gente se reconozca en él. Le gustaría conseguir que la gente olvidara que lo que está viendo es arte, y pensara que es vida, la construcción de la idea vida a través del recuerdo, conmovido.
Con respecto a sus teatros de sombras tienen un carácter onírico, lúdico, invitan al espectador explorarlo pero entre mas te acercas y te enfrentas con las imágenes reflejadas, el sueño se convierte en pesadilla, tan inasible y fugaz, como esta vida que nos presenta siniestra.

género generó

Será el género demográfico, será el género dramático, género como miembro, género como sexo, género como identidad, género literario…complejo, ambiguo, polisémico…el género por definición taxonómica, es una unidad sistemática para la clasificación de organismos, entre la familia y la especie. Pero de facto ¿qué quiere decir esto? …ahora bien, la idea va hacia la diferenciación de lo masculino con lo femenino, como la idea de identidad, y las múltiples característica que conllevan, pero como esto es sumamente simplista, los estudios de género, entienden mas la situación como una construcción, he aquí el punto donde me detendré por que en sentido artístico y estético es donde los artistas (las), ponen atención en la construcción de la identidad, de su identidad de ser por ellas o a través del otro, del otro que ve, el juego entre ser el objeto o ser sujeto.
Pero hablar de género no es solo hablar de las feministas sino también en sentido constructivo el género homosexual, gay, lesbico, etc. Así como sus producciones artísticas. Como por ejemplo el cine de género gay, o género negro en el feminismo.
Por el momento revisaremos obra de algunas performanceras de la escena mexicana, y pensemos en feminismo.
Es recurrente, la representación de ellas contra el otro, pero no solo como reconocimiento a través del otro sino también en este juego de dominación y explotación, sutil, tan sutil que estamos acostumbrados a ellos, revizaremos obra de Maria Ezcurra, que a través de sus textiles nos muestra la típica dinámica social-familiar, de Latinoamérica. La mujer como arquetipo de virgen.

Maria Ezcurra simpre nos presenta a la mujer, sus personajes como objetos, como un artículo mas del hogar, aunque no toda su obra tiende hacia ahí, (la casa de por cierto se genera este imaginario), sino tambien de la mujer no pasiva que sigue siendo objeto. Asi reflexiona sobre el poder de la mujer y sigue en cliche de lo histérico, objeto del deseo hacia las marcas o la imagen. El deseo de desear...no solo el de ser deseado o deseante. Es la provocación serena.




El cuerpo como territorio político generador de identidad, a través de la sexualidad, en definitiva había que citar a Maris Busstamante que desde 1971 con su primer happening, nos muestra una visión feminista con sarcasmo y humor. Por ejemplo en la obra "el pene como instrumento de trabajo"...Maris nos dice: "Me interesa poner mi mirada en lo que viene y no en pasados nostálgicos. He descubierto que la realidad es penetrable y que podemos dejar nuestro centro original para ir más allá de lo que las estructuras permiten originalmente.
Y como siempre he sido entusiasta, y me aburro pronto de lo que no me llama la atención o me pica la curiosidad, me interesa tanto conceptualizar, producir mi obra como la de otros que me lo piden. Me interesa estudiar, investigar y escribir para explicarme las cosas y encontrar, no la razón, sino mis razones"...En el video de Cuerpo y política de Maris Bustamante ella ya se acepta como el objeto en el que vive ya su posición política, explicita y haciendo referencia a la misma Sor Juana como manera de legitimar su posición, claro de manera jocosa.

Por otro lado me gustaria hablar de Elvira Santamaría que me parece un buen ejemplo construida y deconstruida con lo que respecta su obra: "romper la fragilidad de un vaso sin destruirlo", que se logra haciendo a pareceer una suerte de autoretrato al quemar el vidrio.
...yo soy la mujer fuego

yo soy la mujer estrella

yo soy la mujer luz

yo soy la mujer roja

yo soy la mujer acero

yo soy la mujer navaja

yo soy la mujer gesto

yo soy la mujer palabra

yo soy la mujer grito

fluxus-segunda vanguardia-happenings

“los conceptos están incluidos en las palabras”
Henri Bergson

En sentido conceptual, no solo las palabras son palabras sino también los objetos o sonidos pues tiene un significado y un significante. No es gratuito citar a Bergson, ya para la segunda vanguardia el arte es más conceptual que cualquier otra cosa, después la trascendencia de la idea a la experiencia y los efectos que estos producen.
John Cage, el compositor, a partir de las influencias del budismo Zen descubre en el fenómeno del silencio el equivalente musical de la nada absoluta, al mismo tiempo que la idea de igualdad en todos los aspectos de creación, rompiendo con jerarquías prefiriendo la visión de los sonidos y ruidos. Abandona la búsqueda de lo mejor para abandonarse a lo azaroso como libertad creadora. En Harvard, Cage comprobó que el silencio absoluto no existía con un espacio insonorizado. Un año después en 1952 estrenó su composición mas famosa 4’33”, su interprete David Tudor “toco” los tres movimientos 2’40” y 1’20”, con el cierre sistemático de la tapa del piano y su apertura final al final de cada movimiento. Y justo en este vacío sonoro fue que se hizo presente el ruido del auditorio, y que cada vez había mas ruido en la sala siendo ellos quienes lo producían. Cage rompió con los tabúes, pero no de manera destructiva (futurista) sino a partir de la integración, sin aislar la percepción auditiva de los demás sentidos. En lugar de escribir música desarrollo los sonidos en acción. Por ejemplo la Water Music es un arte escénico multisensioral, con sus piano, radio, tres silbatos, balón de playa, dos recipientes de agua, un juego de naipes y una porra, contenían indicaciones referentes no solo a los sonidos sino a otros aspectos que permitían poner en acción la escena.

Cage es referente y maestro de lo que vendría: El happening de su discípulo Allan Kaprow…”La línea entre el arte y la vida debe mantenerse tan fluida, y quizás indistinta, como sea posible” (A. Kaprow). Kaprow tiene un espiritu integrador, mezcla a la manera dadaísta proyección de películas y diapositivas, danza, música y texto, una escultura sobre ruedas, música concreta y constelaciones sonoras, la producción in situ de un cuadro y varios actos triviales. Al inicio no se deba lugar a la participación del publico pero es fue cambiando, lo que fue constante es que nadie en realidad podía apreciar la totalidad de la obra.

Para la obra de Yard (a la izquierda) el artísta acumuló una gran cantidad de neumáticos en un patio, donde los asistentes podían jugar un papel activo o permanecer como meros espectadores. Kaprow con el paso del tiempo desarrollo un interés mas hacia las relaciones interpersonales y concentrándose en grupos mas pequeños.
El fluxus desaba terminar de una vez por todas con la mistificación del arte. Maciunas: "de esta forma la gente percibirá de nuevo la belleza de la realidad: el sonido de la lluvia, el murmullo de la multitud, un estornudo, el vuelo de la mariposa"

La utopía de la palabra, de facto, el eterno elitismo del arte, de los artistas, si bien el Fluxus, el Happening y las secuelas como el Accionismo Vienes lograron su objetivo ludico, antisolemne, anticerebral, de romper esquemas, de cambio y movimiento no rompieron del todo con el caracter dogmático que cada corriente fue desarrollando.

Es claro la manera en que estos juegos-rituales-acciones-liberaciones violentan contra la legitimidad de las instituciones culturales, museísticas y estéticas. pongamos un ejemplo claro.

Wolf Vostell..."lo que mas me interesa es lograr que el público se percate de ciertas cosas a través del principio del décollage, que al aislar hechos cotidianos de su contexto cuestionan lo que tienen de razonable o de absurdo, e induce así a nuevas pautas de comportamiento que ofrecen al público un motivo de reacción y reflexión (y de conmoción ante los efectos que notarán despues) ".

Violentisimo, Vostell consagra su obra a la destrucción, despegándola, borrándola, deformándola y manipulándola.

primera vanguardia...primera

Condicionados a la lógica de la causa y el efecto, la primera vanguardia se nos presenta a partir de diferentes condiciones de posibilidad, la negación del pasado, así como las consecuencias de los preceptos anteriores. El anti-arte, como la manera de derrumbar los valores estéticos y sociales. No solo la guerra sería el motor de las voluntades artísticas por presenciar sus atrocidades sino también, en contraparte, las posibilidades de expresión que daba la fotografía y su hijo prodigo el cine, así como las ideas Freudianas de concepción del yo y de la percepción y sociedad, la libertad onírica creadora. Entonces se entiende bien que ni el arte podía ser el mismo después de la guerra, del cine y de la psicología.
Avant-garde: en términos militares es la primera línea de exploración y combate, en espejo combate contra los establecido y obsoleto.

Veamos el caso del Dadaísmo, que se distingue por: ir hacia lo dudoso, el terrorismo, la muerte y el nihilismo, lo fantasioso, busca renovar la expresión mediante el empleo de varios materiales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y en general tienden hacia la rebeldía y la destrucción.
Sin duda son las “anti-bases” del arte contemporáneo, pues tienden la posibilidad en blanco para que se cree sobre de ellos, ya sea un cuerpo o un objeto, las palabras o lo sonidos. Es la transdisciplina y el arraigo de lo conceptual; que ya en la segunda vanguardia lo llevarían hacia el extremo.

No todo en el dadaísmo fue una expresión de protesta, reflejó una filosofía, o mejor dicho una anti-filosofía, Muchas de sus explosiones eran provocadas, sólo por un afán de diversión, el placer, en el juego innato.

No asi el caso de John Heartfield que nos muestra de manera muy eficaz un mensaje poderoso a traves del fotomontaje, es clara su intención política y provocadora; la imagén no se queda ahí en la mera contemplación sino nos obliga a mirarlo mas allá. El "Programa olímpico" del artista alemán John Heartfield, fue publicado en la edición de noviembre de 1935 de Arbeiter Illustrierte Zeitung (El Periódico Ilustrado de los Trabajadores), satiriza el régimen nazi enumerando disciplinas olímpicas ficticias. Dicho periódico era publicado por alemanes de izquierda, expatriados en Praga. Sin duda rompen con las instituciones sociales bien aceptadas como las Olimpiadas pero poniendo el dedo en la llaga, la supremacía de una nación sobre otra por un lado y por otro la naturaleza Alemana.

En la obra de millones nos soportan, (a la derecha) se pone en evidencia el sistema decadente que responde a una sola motivación la del poder del dinero con este doble juego de socialismo nazi y la gran popularidad que alcanzó Hitler.

El fotomontaje sigue siendo una de las armas mas poderosa en manos del artista políticamente comprometido. Asi podemos emprender un gran viaje desde Heartfield hasta Klaus Staeck. Visto como una consecuencia estética que surge principalmente por la experimentación de esta técnica, por medio del cual un tema se puede presentar a partir de diferentes puntos de vista y perspectivas con audaces yuxtaposiciones de forma y contenido; alienando de tal forma la realidad de lo cotidiano a lo extraordinario.